viernes, 28 de octubre de 2011

Pilar Palou de Comasema retrata al Rey para el portaviones “Juan Carlos I”



Julia Sáez-Angulo




La pintora mallorquina Pilar Palou de Comasema Echevarría (Palma de Mallorca, 1941) ha pintado el retrato de S.M. el Rey de España para el portaviones “Juan Carlos I”. El cuadro ya se encuentra a bordo y surcando los mares. La obra se ha situado en la Sala de Oficiales del portaviones que fue entregado a la Armada Española en presencia de la reina Doña Sofía en 2010.



El cuadro, pintado al óleo (85 x 54 cm.), representa al Rey Don Juan Carlos de medio cuerpo en uniforme de diario de la Armada, con sus condecoraciones. Su semblante esboza una ligera sonrisa y una mirada directa y franca de ojos ligeramente melancólicos. El estilo de la obra es realista,



La pintora Pilar Palou de Comasema, casada con el capitán de navío Santiago Gibert Crespo, es una experimentada retratista, para la que han posado diversas personas de la sociedad y la cultura. Confiesa que sus comienzos en el retrato fueron tomando como modelos a los miembros de su familia, entre los que se encontrabas sus hijos cuando eran pequeños; hoy todos adultos. "El retrato que hice a mi madre fue precioso".



Ciertamente los retratos de niños de la pintora mallorquina son excelentes y funcionan como cuadros, alejados del prototipo más frío de retrato académico o áulico que realiza para despachos oficiales. Algunos modelos infantiles os presenta con objetos en la mano como “La niña de la palmatoria” que se reprodujo en la “Revista General de Marina”; de esta obra y del retrato “Almudena” partió el encargo del retrato del Rey.



Como buena mallorquina ama el mar y las marinas son otro de los géneros mejor abordados en su repertorio iconográfico, en el que figuran igualmente paisajes y bodegones. Entre sus últimos trabajos destaca un gran cuadro titulado “Campo de girasoles” (160 x 50 cm.), encargo venido del exterior para situar sobre un cabecero de cama. La visión amarilla de las flores se funde con el horizonte y crea un espacio singular entre motivo floral y celaje



Pilar Palou de Comasema declara que siempre, desde muy niña, se recuerda dibujando, por lo que su destino no podía ser otro que el de pintora. Su aprendizaje profesional tuvo lugar en el estudio de Pilar Sánchez Cánovas –que firma su obra como Pisaca- y a partir de ahí todo ha sido práctica e investigación sobre el propio lenguaje y estilo. Pilar Palou de Comasema reside actualmente en Madrid.



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jueves, 27 de octubre de 2011

Miguel Viribay homenajeado por pintores y escritores en Madrid



L.M.A.


El pintor jienense Miguel Viribay (Úbeda, 1939) ha sido objeto de un homenaje en Madrid. El acto tuvo lugar en la Casa de Ávila y en el mismo intervinieron el presidente de la entidad, Agapito Rodríguez Añel, la directora de aula de arte Peñaltar, Rosa María Manzanares y la escritora y crítica de arte, Julia Sáez-Angulo, que pronunció una conferencia sobre la trayectoria y obra del artista. Roberto Llorente coordinó la proyección de los cuadros del pintor.

El homenajeado Miguel Viribay dio las gracias a los intervinientes, respondió a las preguntas del público presente y mostró algunos de sus grabados como el retrato de Goya o el de máscaras. Entre los asistentes se encontraban numerosos artistas, escritores y profesores como Juan Moral, Francisco Molina Montero, Rosa Moreno de Castro, Luís Javier Gaya, Isabel Torre Cañeque, Ángel Salamanca, Gloria Vázquez, Eugenio López Berrón, Dolores Gallardo, Elisa Sáez de Slöcker, Benito de Diego, Mercees Ballesteros, Pablo Reviriego, Ana Muñoz...

Sáez-Angulo fue glosando las facetas de Miguel Viribay como pintor, dibujante, grabador, académico, catedrático... Puso de relieve la fuerte unión del artista con su tierra, Jaén, como lo muestran sus numerosos cuadros de la serie de olivos y olivareros, de las diferentes vistas de la ciudad en su mayoría coronada por la catedral del Valdelvira.

La conferenciante partió de los inicios de la pintura informalista de Viribay a comienzos de los 60, hasta llegar al realismo visionario de sus últimos cuadros, pasando por el fovismo expresionista de la primera mitad de los 70 y el social-realismo existencial de la segunda mitad de la misma década. El pintor utiliza el óleo y la técnica mixta sobre lienzo o tabla.

También se apuntó en la exposición el notable trabajo como muralista de Miguel Viribay, así como de sus grabados a buril y punta seca, además de las últimas serigrafías en el Taller del Prado.

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Iñaqui Junquera expone sus últimos dibujos digitales en la Fundación FiART




Dibujos
Iñaqui Junquera
Fundación FiART
c/ Infantas, 27
Madrid, 28004
Noviembre-Diciembre 2011







Julia Sáez-Angulo



Iñaqui Junquera (Madrid en 1963) expone sus últimos dibujos en la Fundación FiART de Madrid, a partir del proximo 3 de noviembre y reflexiona sobre la actividad de dibujar en esta entrevista.

Hijo del famoso escultor y ceramista Juan José Junquera, desde pequeño Iñaqui se encuentra inmerso en el mundo del arte, la creatividad, el dibujo y la cerámica. Su primer estudio de ilustración trabajó para prestigiosas editoriales como Anaya, Santillana y algunas publicaciones del Grupo Zeta. Años más tarde fundó su segunda compañía, una empresa dedicada a la ilustración digital en un momento en que este medio se encontraba en sus principios.

Posteriormente, vuelve a fundar un estudio dedicado a la ilustración infantil hecha a mano, sin técnicas digitales, solamente con técnicas aerográficas mezcladas con acuarelas y lápices, con el fin de obtener la licencia para trabajar como estudio colaborador para la compañía Walt Disney. Obtiene la licencia superando a muchos prestigiosos estudios europeos.

Más tarde se incursiona en el mundo del diseño de joyas con la compañía Silver Sterling Gandolfi, logrando un gran éxito, y en 2010 publica su primer libro de cuentos no infantil.

Ahora regresa a sus orígenes de ilustrador infantil, la actividad que más le ha gustado desde siempre, y reaparece en el mundo editorial con el libro "Las calabazas no vuelan", un libro que condensa en sus textos e ilustraciones muchos años de experiencia en el terreno de la literatura infantil, el arte y el diseño.

Ilustración creativa. No es comic


- ¿Qué definición de dibujo le convence más?

Ilustración creativa, no es comic, ni educativo, ni descriptivo ni técnico, para mi la reina es la ilustración infantil.


- ¿La pintura es color por encima del dibujo?

El dibujo es para muchos el hermano pequeño de la "PINTURA", pero esta no puede existir sin el , pues representa la columna vertebral de una buena pintura



- ¿El dibujo es un lenguaje?


Por supuesto, no solo lo es , y universal , podemos ver ejemplos como Tintín o Asterix , publicados en tropecientos idiomas , y nexo de mil culturas.

- ¿cuando empezó a dibujar y por qué?

No se cuando, quizá porque era tan pequeño que ni me acuerdo, ¿porque? , no lo podía evitar, un neurólogo lo explicaría indicando algún lugar de uno de mis lóbulos, puede que resida ahí la respuesta, pero lo que es seguro , al menos para mi , es que cada persona "NACE" para alguna actividad, si la desarrolla o no , depende de sus circunstancias.



“La ilustración infantil es tan loca...”


- ¿Por qué se decidió por este tipo de dibujo que hace? ¿Cómo lo definiría?
Mi madre trabajaba en un colegio, el Estilo y mi tía era la dueña, y generaciones que se pierden en el tiempo de mi familia fueron maestras y maestros, todo este rollo docente debió pegárseme en algún momento , y en vez de dedicarme a la educación , ese lóbulo misterioso para mi me aproximo al mundo de los niños y me hice ilustrador infantil .
La definición de dibujo infantil o ilustración infantil es tan loca como pueda serlo mi respuesta porque en realidad los ilustradores debemos mostrar al niño mundos tan extraordinarios como seamos capaces porque así fertilizamos el increíble poder de la imaginación , y esto es lo que hace al ser humano extraordinario.



-¿Qué busca con el dibujo?


Placer y ,si se puede , ganarme la vida.

- ¿Quién o quienes fueron sus maestros?

Soy autodidacta de libro , siempre rechace los centros educativos , una vez un amigo medico me decía que jamás pisase un quirófano , quizá por ser experto en la materia , yo pase muchos años en el colegio , porque después de mi ciclo educativo fui profesor de dibujo en el mismo centro , pero es cierto que el arte , además de la educación eran los temas de conversación en casa , mi padre era ceramista y escultor , y mi madre se convirtió en una gran artista con sus tapices ,mi abuelo también fue pintor , mame del arte y me nutrió lo suficiente para aprender de todo y todos.


- ¿Disocia el color de dibujo? ¿ por qué?

Perdona no entiendo esta pregunta, supongo que te referirás a si el dibujo puede existir sin el color, pues supongo que si , simplemente queda mas soso.

- ¿A que dibujantes admira?

Herge , Rebecca Dautremer , por decir un par pero seguro que podrían ser docenas.


-¿Conoce el Museo del Dibujo de ABC en Madrid? ¿Qué opinión le merece?

Es interesante cualquier actitud privada o publica que promueva el interés popular por arte , considerada injustamente "menor" como el dibujo.

- ¿Qué opinión le merece el manga?
El manga es un estilo que raya con la sociología pues es tan representativo de la cultura japonesa que quizá no lo entendamos del todo bien, sin embargo debo quitarme el sombrero sobretodo en animación , porque algunos de los mejores dibujantes del mundo son japoneses.


-¿El dibujo digital es el futuro?.

No , en absoluto , pero si a nivel industrial , profesional , pero la ilustración siempre será un arte para tomárselo con calma , los programas informáticos para dibujar solo son una herramienta mas y no una estrategia , facilitan las cosas a nivel técnico a los editores e impresores y ayudan al dibujante en la medida de su capacidad para utilizar esta herramienta , pero en mi opinión , se utilizara como parte de un proceso , de una receta que cada dibujante confeccionara de manera personal , lápices , acuarelas , quizá escáner y después ordenador , o cual quiera que sea el proceso creativo de cada unos , lo que si es cierto es que el producto final que llegara al editor seguro que será digital.

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miércoles, 26 de octubre de 2011

LOS AGUAFUERTES DE PICASSO PARA “LA OBRA MAESTRA” DE BALZAC


28 de octubre al 19 de febrero de 2011.
De martes a viernes, de 11 horas a 14 horas y de 16 a 18 horas.
Sábados, de 11 a 14 y de 16 a 20 horas.
Domingos de 11 a 14,30 horas.
Luces, cerrado.



L.M.A.

Este viernes 28 de octubre se inaugura en Cuenca, en el Museo de Arte Abstracto Español, la exposición PABLO PICASSO Y “LA OBRA MAESTRA DESCONOCIDA” DE HONORÉ DE BALZAC, con trece aguafuertes que el pintor malagueño realizó en los años treinta, a partir del célebre relato del escritor francés.

Pablo Picasso (1881 – 1973) está considerado como uno de los grandes maestros del arte del grabado. Aunque utilizó esa técnica a lo largo de toda su vida, en la década de los años treinta realizó varias series de aguafuertes, consideradas desde entonces entre los ejemplos más relevantes de la historia del grabado. Entre ellas se encuentra la que realizó en 1931 para ilustrar una nueva edición del relato de Honoré de Balzac (1799 – 1850) Le Chef d’oeuvre inconnu (La obra maestra desconocida, originalmente publicado en 1831), por encargo de su marchante Ambroise Vollard (1866 – 1939). Los trece aguafuertes originales realizados por Picasso en 1931 a propósito del texto de Balzac fueron finalmente editados por Ambroise Vollard en una carpeta. El relato de Balzac se sitúa en el siglo XVII y tiene como escenario el estudio parisino de un anciano artista llamado Frenhofer. Su tema es la obsesión del pintor que trabaja secretamente en un cuadro que lleva años intentando terminar. Cuando finalmente dos artistas admiradores del pintor logran ver la obra, solo encuentran una intrincada masa de brochazos y capas de pintura, del que apenas si sobresale un pie: la creación de una persona demente obsesionada por conseguir una perfección que se resiste a la imperfección característica aún del arte más sublime.

El cuento fascinó a Picasso, quien se identificó con Frenhofer –el genio frustrado que crea obras maestras tan adelantadas a su tiempo que nadie las entiende–, y aprovechó el encargo de Vollard para homenajear el acto de creación. Las obras, por eso, no son estrictamente ilustraciones exactas del cuento de Balzac, sino el resultado de las divagaciones de Picasso sobre el tema del artista creador y sobre la relación íntima entre el artista y su modelo. Es a este último asunto al que dedica la mayor parte de las obras de la serie Le Chef d’oeuvre inconnu que aquí se expone.

Manuel Valencia expone "Cartas y Pizarras" en la Galería Astarté



L.M.A.




“Cartas y Pizarras”: son dos series que ha producido Manuel Valencia en el transcurso de los tres últimos años, alternando este trabajo con frecuentes viajesa China y Japón. Son ambas el resultado de una exploración de soporte ymateriales empleados para su formulación, y derivan de su investigación formalen el ámbito de la relación entre arte y naturaleza. El artista estudia desdehace tiempo las alteraciones continuas a las que está sujeta la naturaleza enel ciclo de la vida a la muerte y, en este sentido, le interesa la“representación”, no tanto de lo que se hace visible, como de lo que intuye ypercibe más allá de la forma.


Manuel Valencia concede gran importancia al soporte. Busca personalmente sus papeles,muchos de ellos en el viejo mercado de Liulichang, próximo a la Ciudad Prohibida en Pekín. Son papeles hechos a mano con los métodos tradicionales queChina ha ido perfeccionando durante milenios. La utilización de este soporte“natural” es coherente con su proyecto. Las tintas, también adquiridas en Japóny China, mezcladas para conseguir las texturas y viscosidades idóneas para losefectos que persigue, las combina con vendas,cuerdas, grafitos y algún tipo de temples y acrílicos. Esta técnica mixta nosigue pautas tradicionales, sino que explora una formulación muy personal,enmarcada en la contemporaneidad, a partir de cuya experiencia desarrollasu trabajo.


Especialrelevancia tiene la presencia de elementos caligráficos y escrituras que sefunden con el dibujo como en un todo. Caligrafías, ilegibles a veces, quesubrayan la intensidad del momento de la creación y su circunstancia. En Japón,pintura, caligrafía y poesía tienen una función semántica idéntica, encoherencia con lo que significa el acto creativo.


“Cartas”consta de 110 dibujos (50 x 35 cms). Es una correspondencia sin destinatarioque utiliza el mar como vehículo plástico. Se exponen como un friso donde cadadibujo se sincroniza con el todo.

“Pizarras”, porotro lado, incluye 18 papeles (86 x 63 cms) es un Bodegón desestructurado, ydespojado de su condición de ornamento, de adorno intranscendente paraotorgarles un papel protagonista y reintegrarlo a la naturaleza. Valencia utilizael término inglés “still life”, vida detenida, con preferencia al de naturalezamuerta.



Ambasseries tienen un nexo en común que las inspira que es el poema de T.S. Eliot,“The Hollow Men” (1925).

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“La Cenicicienta se estrena en una original versión musical en el Teatro Fígaro de Madrid



L.M.A.



“La Cenicienta” es una coproducción de la productora Lazona y la compañía La Ratonera. Se estrena el próximo 29 de octubre, en el Teatro Fígaro de Madrid. Es el tercer espectáculo que Lazona presenta en esta temporada, siendo encargada de la puesta en escena la propia compañía La Ratonera, especializada en espectáculos dirigidos al público familiar y que cuenta en su larga trayectoria con numerosos premios y reconocimientos por sus obras.

Los textos y las canciones han sido creados por Gema Martín y Roberto C. Berrio, siendo éste último responsable de la dirección del montaje. El elenco lo componen Andrea de Pablos, Alberto Frías,Gemma Martín, Teresa Guillamón, Yanina Carchak y José Tíscar, todos ellos experimentados intérpretes de musicales como La Bella yla Bestia, o Cabaret.

La Ratonera ha enmarcado el cuento de Perrault en un grupo de cómicos ambulantes que reciben el encargo de poner en pie la obra Cenicienta, así pasa esta historia a formar parte de otra mayor, la de la compañía Le Petit Theatre. El nuevo texto, según la compañía, huye de los tópicos de la joven bella que busca príncipe guapo y se centra en otros valores como la amistad, el trabajo, el respeto y la tolerancia. Los sencillos y entrañables temas musicales se entremezclan con ambas historias haciendo partícipes al público conespecialesguiños a los más pequeños.

Cenicienta ha permitido a Berriocumplir dos objetivos que hace tiempo “rondaban por su cabeza” según indica: recontar Cenicienta, olvidándose de obsoletos conceptos y apostando por una versión más actual y comprometida, y rendir homenaje a las familias de cómicos ambulantes que viajaban de pueblo en pueblo cargados con sus trajes y decorados para contar historias y divertir a todos.

El montaje permanecerá en cartel hasta el 22 de enero de 2012 para iniciar posteriormente una gira nacional. Los horarios de las funciones son sábados a las 12 y a las 16.30 horas, y domingos a las 12 horas. El precio de las localidades es de 14€ y pueden adquirirse en El Corte Inglés y entradas.com.

martes, 25 de octubre de 2011

Toshiro Yamaguchi expone "Herir y curar" en Material Galería



"HERIR Y CURAR". Toshiro Yamaguchi
Material Galería
C/ Doctor Mata 1.
28012 Madrid
Tel.:+34 91 5304251
info@materialgaleria.com
www.materialgaleria.com
Del 2 de Noviembre al 3 de Diciembre del 2011



L.M.A.




Tohioro Yamaguchi expone en Marterial Galería de Madrid. El artista reflexiona así:
“Cuando nos encontramos con una pieza extraordinaria de arte, sentimos que algo
entra en nuestra parte más profunda y nos hace daño. Según dicen los
científicos, el cerebro entonces se ve obligado a hacer una reorganización
general mediante la recepción de esa nueva experiencia y no puede hacer frente a
ello en el marco de la cognición tradicional.
Como resultado de dicha reorganización, algo nuevo es creado. Este proceso se
puede llamar la creación.
Se podría decir que la diferencia entre nuestro sistema cognitivo y el mundo
real es un alimento para que seamos creativos. Por eso, tenemos que seguir
sintiendo esa diferencia y recibir la herida profunda, causada por el daño.
Necesitamos estar relacionados con el exterior, o sea, con el mundo.

Porque pienso, tal como mencioné en el manifiesto de la exposición SEEDS, que “La
originalidad nace a partir del contacto y la comunicación con otras personas. Es
decir,mediante el proceso de expresar sus experiencias y reconocer claramente la
diferencia entre estas experiencias y las de los demás, uno consigue saber de
manera consciente cómo es uno mismo.”

Lo importante es mantener la conversación no para crear la armonía de la
connivencia, sino para reconocer la idea diferente del otro mediante el
intercambio sincero y honesto de las ideas.
Esto sería muy duro, pero sin encontrar la brecha uno no puede recibir el
estímulo necesario para la creatividad.

De hecho, a veces no podemos saber lo que pensamos de verdad hasta que no
hablamos con alguien. Expresarnos es una manera de conversar con nosotros
mismos.
Porque pensar, expresar y percibir lo expresado completa un ciclo del
reconocimiento de sí mismo. Cuanto más grande es la brecha entre lo que pensamos
y lo que expresamos, más aumenta la posibilidad de poder crear algo nuevo y de
poder cambiar uno mismo.
Esto último es uno de los méritos más grandes que nos aporta la creación.

Igualmente crear una obra es una manera desaber lo que estamos pensando. Y
naturalmente, habrá una brecha entre lo que queríamos hacer y lo que está hecho.
Es fácil reducir el tamaño de la brecha:basta sólo hacer lo que se pueda o
repetir lo que se hace siempre. Pero eso no es creación, sino producción.
Por lo tanto no es necesario tener miedo de lanzarse al mar de incertidumbres,
porque vivir es seguir creándonos a nosotros mismos hacia un futuro incierto.

He elegido “Herir y curar” como título de la exposición,porque pienso que si uno
es capaz de tener el coraje de encontrar la brecha, tendrá la posibilidad de
crear un nuevo ‘él mismo’”.

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