lunes, 26 de diciembre de 2011

PACO SAINZ Y SU SERIE TAURINA DE “TOROS Y LUNA”


Toro de Paco Sáinz



L.M.A.

Al escultor vasco, residente en Valencia, Paco Sáinz Regidor(Portugalete, Vizcaya, 1957) le gusta trabajar con la figura del toro, como animal totémico y emblemático del Mediterráneo. Recientemente ha dado salida a unos ejemplares titulados “Toro mirando a la luna” para unas colecciones privadas.

La lectura de poemas del escritor andaluz Federico García Lorca (1898 – 1936) ha motivado también sus esculturas últimas fundidas en bronce y unidas a la madera o el cristal. Paco Sáinz juega con la tensión de los materiales para crear una visión plástica y estética.

“Me gusta el toro como animal noble; me gusta su mirada bondadosa, que conoce muy bien el torero; me gusta contemplarlos en los campos, la última vez en Cáceres… Lo que temo es que como sigamos con las persecuciones antitaurinas, no veremos más toros bravos en las dehesas, porque no sirven para carne, sólo para el arte del toreo”, declara el escultor.

El tema de los animales mirando la luna es una constante en el arte; podemos recordar el cuadro del pintor Joan Miró (1893 – 1983) “Perro ladrando a la luna”, uno de los cuadros más emblemáticos de la primera etapa del artista.

Más información
http://www.pacosainz.com/menu.html


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Ricardo Sanz realiza un soberbio retrato al pintor Antonio López




Julia Sáez-Angulo




El pintor donostiarra, residente en Madrid, Ricardo Sanz (San Sebastián, 1957), ha pintado un soberbio retrato del pintor realista Antonio López (Tomelloso, Ciudad Real, 1936), una suerte de homenaje del joven artista al veterano maestro.

No se trata de un retrato académico o áulico sino uno en el que Antonio López aparece sentado y descansando en un momento de su trabajo, por lo que está revestido de un delantal blanco y largo con el que se protege de las manchas del óleo mientras pinta. Las gapas del pintor cuelgan de su cuello y el artista está atento con una mirada sagaz y serena al mismo tiempo.

Antonio López es el pintor realista más cotizado de la pintura española, que ha sido galardonado con el premio Velázquez, máximo galardón del arte en el área hispana. Expone habitualmente en la galería Marlborough y recientemente ha llevado a cabo una amplia exposición de su obra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid y en el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Ricardo Sanz es uno de los pintores realistas más relevantes, que, además de paisajes, sobre todo de la costa norte, ha llevado a cabo numerosos retratos de la alta sociedad, así como el primer retrato en que los Príncipes de Asturias aparecían juntos por vez primera.

El amor a la figura humana de Ricardo Sanz se traduce en numerosos cuadros de escenas de danza, particularmente bailaoras de flamenco, en las que el pintor puede lucir su dominio de los ritmos y colores de los trajes de faralaes.

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Pedro Sandoval entra a cotizar como pintor en ScultradeArt



L.M.A.




El pintor hispano-venezolano Pedro Sandoval (1966) ha comenzado a cotizar en ScultradeArt, galería de máximo nivel internacional. El hecho supone la incorporación de uno de los artistas más relevantes del circuito artístico internacional, presente en diversos museos y colecciones públicas y privadas, como el Museo de Salta (Argentina), Boca Ratón (Florida), Guggenheim (Nueva York) o las colecciones del Vaticano y de la familia Kennedy, entre otras.


Recientemente el coleccionista Borja Thyssen-Bornemisza acaba de adquirir diez obras de Sandoval, así como Paloma Segrelles, directora del Club Siglo XXI. Ambos coleccionistas estuvieron en la inauguración de la exposición de Pedro Sandoval en la madrileña galería Victor i Fills.

Han sido reunidos trabajos elaborados en los últimos cuatro años, en los que predomina el color y las formas geométricas. En palabras de Sandoval, estas pinturas "condensan la esencia de Cy Twombly", a quien conoció personalmente.

El manejo del color y las texturas del artista Pedro Sandoval se puso de manifiesto en la citada muestra titulada Caleidoscopio, conjunto de lienzos de gran formato en homenaje al pintor italo-americano Cy Twombly, maestro del Expresionismo Abstracto fallecido en julio de este año.

Sandoval gusta de dialogar con los grandes maestros de la pintura moderna y contemporánea, principalmente del campo de la abstracción como De Koonig, Thomas Richter o Cy Twombly. Su trabajo se desarrolla a caballo entre Madrid y Berlín, donde tiene instalados sus talleres.

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miércoles, 21 de diciembre de 2011

“De Zuloaga a Picasso (1890 -1920), España entre dos siglos”, exposición en París



“España entre dos siglos”
De Zuloaga a Picasso (1890 -1920)
Musée de l´Orangerie
Octubre, 2011 –Enero, 2012




Julia Sáez-Angulo



París está hermoso, lluvioso y vigilado. La ciudad del Sena ofrece un rico panorama de exposiciones en sus museos importantes, todos ellos vigilados con patrullas de tres soldados con metralletas que se pasean delante de las fachadas para la seguridad de los ciudadanos indefensos ante los ataques cobardes del terrorismo internacional.
Entre las muestra relevantes la de “De Zuloaga a Picasso (1890 -1920), España entre dos siglos”, que ha sido organizada por el Musée d´Orsay y la Fundación Mapfre, Sus comisarios, Marie- Paule Vial y Pablo Jiménez Burillo. La exposición ha contado con numeroso público.

La exposición se abre con el gran cuadro “La vuelta de la pesca” de Joaquín Sorolla, pieza que se conserva en el Museo d´Orsée y recorre los apartados “La España blanca”; “La España negra” y “Picasso, Miró, Dalí”, estos últimos con cuadros comprendidos entre las fechas que abarca la muestra.
La superposición de corrientes impresionistas, simbolistas, postimpresionistas y cubistas se suceden en el recorrido. Una insistencia a la presencia de varios de los artistas en París viene a recordar que se formaron entre los grandes maestros del momento o más bien de sus obras: Degas, Cezanne, Toulouse-Lautrec…

Una presencia notable, quizás excesiva de pintores catalanes, levantinos y vascos domina la exposición, que cuenta con piezas soberbias de Sorolla, Ramón Casas, Santiago Rusiñol, Joaquín Mir, Ignacio Zuloaga y Zabaleta, Juan de Echevarría, Darío de Regoyos, don Daniel Vázquez Díaz, mal representado con cuadros pequeños sin especial interés. Curiosos y singulares los dos cuadros de Nicolau Rourich, de gran maestría impresionista. Destaca igualmente el retrato pintado por Zuloaga de “La condesa de Noailles” un personaje parisino que recibía en su salón del Paris XVI a numerosos literatos y artistas. El cuadro es una de las joyas del Museo de Bellas Artes de Bilbao.

El espacio de l´Orangerie para la exposición es el sótano, bajo el despliegue de la serie de las Ninpheas de Claude Monet. Dos cuadrados concéntricos con una apertura para evitar el exceso de paramento.

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EXPOSICIONES 2012 EN EL MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA

L.M.A.



Hans Haacke

14 febrero 2012 - 23 julio 2012
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisario: Manuel J. Borja-Villel
Hans Haacke está considerado pionero y uno de los principales representantes de la
llamada crítica institucional surgida a finales de los años sesenta. Su trabajo explora
los mecanismos de construcción y transmisión del poder a través de la “institución”
como estructura reguladora de todas las dinámicas económicas, artísticas, políticas y
sociales.
A lo largo de 2011, Hans Haacke (Colonia, 1936) ha estado trabajando en un nuevo
proyecto que verá la luz en esta exposición acompañado por una amplia selección de
obras que abordan las principales preocupaciones que jalonan su trayectoria, desde el
mercado y los efectos de la globalización (The Invisible Hand of the Market, 2009),
hasta las relaciones entre arte y poder (Thank you Payne Weber 1979; Global
Marketing 1986-2011; Helmsboro Country 1990) o su famosa serie sobre el creador
del Museum Ludwig de Colonia, Der Pralinen Meister 1981.
Otros trabajos a destacar de la muestra son aquellos que hacen referencia a los
mecanismos de representación, para los que el artista se sirve de los gráficos que usa
la sociología o el urbanismo. Estas piezas de investigación, resueltas con simplicidad
minimalista y gran eficacia visual, estudian la relación entre perfiles demográficos e
ideológicos/económicos: Gallery Goers’ Residence Profile, 1970; Sol Goldman & Alex
Dilorenzo, Manhattan Real State Holdings, 1971. La muestra también reconstruirá la
obra News (1969-70) procesando para el visitante noticias sobre los temas de la
exposición en tiempo real materializadas a través de una impresora.
La exposición se cierra con una serie de obras que aluden a la crisis actual (Nothing to
declare 1992, Waiting for the End of History, 1992, Trickle Up 1992), presentando
asimismo una obra a la que Haacke ha recurrido en numerosas ocasiones a lo largo
de su carrera: Grass Grows (1969-2011), un cúmulo de tierra donde crece la hierba
que funciona como contrapunto orgánico a los flujos económicos, sociales y políticos
en los que se centra la obra de Haacke.


JAMES COLEMAN
24 abril 2012 – 27 agosto 2012
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisario: Manuel J. Borja-Villel
Esta exposición será la primera gran retrospectiva que se realice de la obra de James
Coleman (Ballaghaderreen, Irlanda, 1941). Conformada por unas quince obras, la
muestra incluye desde sus piezas iniciales realizadas en Milán en los años setenta,
hasta su trilogía de los años noventa formada por Background, Lapsus Exposure e
INITIALS, así como otras piezas cruciales como Fly, Box, Untitled: Philippe VACHER y
la obra Retake with Evidence presentada en la Documenta 12, que explora, a través
del la imagen audiovisual procedente de diversos soportes las relaciones temporales
entre imagen y sujeto.
Coleman se formó en Dublín y trabajó en Londres y en París antes de trasladarse a
Milán, donde desarrolló su carrera artística durante veinte años antes de regresar a la
capital irlandesa. Su obra se encuentra en colecciones tales como el Irish Museum of
Modern Art de Dublín, el Museum Ludwig de Colonia, El Stedelijk Museum voor
Actuele Kunst de Gante y el MACBA de Barcelona. Recientemente tres de sus
trabajos se han incorporado en la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía.


NACHO CRIADO

8 mayo 2012 - 1 octubre 2012
Lugar: Palacio de Velázquez
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisario: Remo Guidieri
Una nutrida selección de piezas propone un acercamiento a las constantes y
preocupaciones de la práctica artística de Nacho Criado. Incluye desde sus piezas
iniciales en madera hasta sus monumentales y características esculturas de hierro y
cristal, así como otras obras en fotografía, maquetas, dibujos y vídeos.
Nacho Criado (Mengibar 1943 - Madrid 2010) realizó estudios de arquitectura y
sociología en Madrid y Barcelona, respectivamente. En 1969 se instaló en Madrid,
lugar de residencia hasta su muerte. Considerado uno de los principales artistas
españoles de los últimos años, y apreciado sobre todo por sus aportaciones como
pionero del arte conceptual y de la escultura experimental, Nacho Criado ha expuesto
en los principales museos españoles.


ROSEMARIE TROCKEL: UN COSMOS

22 mayo 2012 - 24 septiembre 2012
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisarias: Rosemarie Trockel y Lynne Cooke
La muestra “Un Cosmos” reúne una serie de piezas que dan cuenta del ideario y
afinidades estéticas de Rosemarie Trockel, en diálogo con una selección de su propia
obra realizada en diversos momentos. Esta particular asociación de piezas se
compone de trabajos que desde una perspectiva más convencional pertenecen al
ámbito de la ciencia, pero que por su sofisticación y refinamiento se adentran en el
campo del arte como las delicadas reproducciones en vidrio de criaturas marinas y
flores creadas en el siglo XIX por los Blaschkas para el estudio de los naturalistas
académicos, las acuarelas de la artista del siglo XVII, Maria Sybilla Merian, cuyas
representaciones de la flora y la fauna, tan bellas como impecablemente precisas,
resultaron tener un valor incalculable para el estudio científico, que se mostrarán junto
con un ensamblaje de los años sesenta del siglo XX de la feminista radical Ruth
Francken, compartiendo espacio con esculturas de lana de Judith Scott, artista
marginal afectada por síndrome de Down.
En la exposición se podrán ver, además, piezas de cerámica creadas por la propia
Trockel y obras de reciente producción realizadas en cristal. Este excepcional conjunto
sentará las bases para investigar desde una perspectiva novedosa la práctica singular
e influyente desarrollada por Trockel a lo largo de casi tres décadas.


ESPECTROS DE ANTONIN ARTAUD.
LENGUAJE Y ARTE EN LOS AÑOS CINCUENTA
18 de septiembre 2012 – 17 de diciembre 2012
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisarios: Kaira M. Cabañas y Frédéric Acquaviva
La muestra aborda la influencia del poeta, dramaturgo y actor francés, Antonin Artaud
(Marsella, 1896 – Paris, 1948) en las artes plásticas, centrándose en su legado crucial
para entender las neovanguardias de la posguerra en los Estados Unidos, Francia y
Brasil.
A través de diversos medios (pintura, música, cine y poesía), la exposición mostrará
cómo el deseo de Artaud de trascender los confines del lenguaje, tanto hablado como
escrito, sobrevivió en el trabajo de una serie de artistas preocupados por algunas de
las cuestiones artísticas más relevantes de mediados del siglo XX como son el cuerpo
y la participación del espectador, incluyendo obra de Gil Wolman, François Dufrêne,
Isidore Isou, Guy Debord, Wolman, Dufrêne, Maurice Lemaître, Robert Rauschenberg,
John Cage, Öyvind Fahlström, Ferreira Gullar, Lygia Clark y Hélio Oiticica, entre otros.


ENCUENTROS CON LOS AÑOS TREINTA
2 octubre 2012 - 7 enero 2013
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisaria: Jordana Mendelson
La década de los treinta fue un momento turbulento con el ascenso de los gobiernos
totalitarios y la constante migración de artistas como parte del entorno social,
económico y político que estuvo marcado por los sueños utópicos y la agitación del
momento. Esta exposición quiere presentar la década basándose no sólo en las
narrativas propagandísticas (a pesar de que es una característica esencial de los
treinta), sino en el hecho de cómo los artistas tuvieron que trazar su propio camino en
un ambiente de creciente violencia. El tema central de la exposición analiza los
caminos que trazaron los artistas en las relaciones interpersonales e internacionales
como motor de producción artística.
Estructura en los siguientes bloques temáticos: Fotografía y Publicidad, Exposiciones
Nacionales e Internacionales, Abstracción, Surrealismo, Guerra Civil y Realismo; la
muestra presenta al público los más importantes movimientos, ideas y artistas de la
década a través de más de cuatrocientas obras de artistas como Picasso, Miró,
Tanguy, Rodchenko, Man Ray, Delaunay, Masson, Mondrian, Sironi, Torres-García,
Calder, Moore, Kandinsky, etc. Como complemento a la exposición el Museo
programará un ciclo de cine en el que se profundizará sobre todas las cuestiones
expuestas y sobre la importancia de este medio como difusor de las ideas e imágenes
de la década.


MARÍA BLANCHARD
16 octubre 2012 - 25 febrero 2013
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisaria: María José Salazar
Itinerario: Sala de Exposiciones de la Fundación Marcelino Botín, Santander:
06/2012 - 09/2012 (sólo se expondrá la etapa cubista)
La exposición dedicada a María Blanchard (Santander, 1881 – París, 1932) quiere
reivindicar a esta artista española que vivió la pintura con todas sus incertidumbres y
convicciones y que llegaría a ser una de las grandes figuras de la vanguardia. Nacida
el mismo año que Picasso, Gargallo o Vázquez Díaz, perteneció a una generación de
artistas cuyo reconocimiento nunca fue parejo con el suyo. Su desarrollo artístico fue
tardío, no alcanzando la madurez creativa hasta bien entrada la treintena, tras
instalarse en París. Hasta los años setenta, con la monografía de Rodríguez Alcalde,
fue objeto de una visión sesgada que redujo el estudio de su obra pictórica a unos
pocos tópicos y se centró en buscar una justificación biográfica a su estilo.
La exposición recorrerá las tres etapas vitales en que podemos dividir su creación: una
primera Etapa de Formación (1908-1913), que incluye su obra más temprana,
caracterizada por la permeabilidad a las influencias de sus maestros. Un segundo
período, Etapa de Consolidación (1913-1919), a partir del momento en que Blanchard
se inserta con naturalidad y pasión en el movimiento cubista, al que aportará
plasticidad y sentimiento, y por último, la que podríamos llamar Etapa de Retorno al
Orden (1919 – 1932), tras su decisión de alejarse del cubismo y volver a la figuración,
en la que crea abundantes e importantes pinturas que poseen un acento inconfundible
y son lo más conocido de su producción.
Además de estas exposiciones, la programación del
Museo Reina Sofía incluirá un proyecto de Paloma Polo
(25 enero-23 abril 2012) para el Programa Fisuras; dos
individuales de Sharon Hayes (29 mayo-24 septiembre
2012) y Heimo Zobernig (8 noviembre 2012-abril 2013),
así como las intervenciones específicas de Rodney
Graham (7 junio-15 octubre 2012) y Roman Ondak (15
noviembre 2012-marzo 2013) en el Palacio de Cristal.


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martes, 20 de diciembre de 2011

Martina Cole, narradora best-seller con novelas de intriga publicadas en español por Alianza editorial

L.M.A.




Martina Cole se ha convertido en la primera escritora británica de narrativa para adultos en sobrepasar los 50 millones de libras desde que este récord comenzó en 1998. Gracias a las espectaculares ventas de su 18º thriller, "The faithless", la cantidad obtenida por sus libros alcanza los 50,3 millones, según Bookscan. Cole se une a un grupo compuesto por otros catorce escritores, del que solamente siete lo son de narrativa para adultos. Según hemos podido leer en la revista "The Bookseller".

De origen irlandés y natural del East End londinense donde se desarrollan la mayor parte de sus novelas, sus azarosos orígenes han sido la materia prima a partir de la que ha construido sus novelas, algunas de ellas convertidas en exitosas series televisivas en Reino Unido. Martina Cole es uno de los fenómenos literarios británicos de los últimos tiempos. Alianza Editorial ha publicado en España los títulos "El jefe", "Más cerca" y "El asesino de mujeres" y publicará este próximo mes de mayo "Secretos de una asesina".

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sábado, 17 de diciembre de 2011

Palazuelo, “La línea que sueña” en la nueva galería Fernández-Braso



“La línea que sueña”

Palazuelo

Pinturas, Dibujos, Grabados

Galería Fernández-Braso

Villanueva, 40

28001 Madrid

Del 16 de diciembre de 2011 al 18 de febrero de 2012





Julia Saéz-Angulo



Comenzar con un artista sólido como Pablo Pazuelo (1916 – 2007) ha sido la decisión y el acierto de la nueva galería Fernández-Braso que se apoya en una larga experiencia en la galería anterior Juan Gris. Bajo el título de “La línea que sueña”, se presentan pinturas, dibujos y grabados de la Fundación Palazuelo, seleccionadas por Alfonso de la Torre, que actóa como comisario.

La nueva galería aumenta su espacio por cuatro –cuenta con 400 metros cuadrados- y sigue en el mismo barrio de Salamanca. Su propósito es seguir con nombres consolidados en el circuito del arte como Rafols Casamada y Xavier Valls –próximas exposiciones- sin descartar futuros valores jóvenes.

Palazuelo ha sido un artista riguroso en sus investigaciones plásticas alejado de movimientos y modas. Su obra no es estrictamente constructivista o normativa, por más que sean muchos lo que lo insertan en este movimiento. Con la línea, sumamente matizada como recta ha creado infinidad de dibujos que luego, en algunos casos, han pasado a los cuadros al óleo. Artista de formación clásica, utilizaba siempre este pigmento y no el acrílico como suele ser habitual en los artistas cercanos a la geometría como él mismo.

“No ha sido un pintor prolífico. Palazuelo sólo había pintado medio centenar de cuadros en los años 80. El hacía muchos dibujos pero no tantos cuadros”, explica Alfonso de la Torre. “La línea que sueña”, decía Palazuelo.

“La noche y el sueño han sido temas que han dado nombre o títulos a su trabajo” añade el comisario. “De Somnis”, “Minos” son algunos de esas denominaciones. Los círculos han sido motivo constante en la obra de Palazuelo, algunos de los cuales como “Zircinos” se acercan a la visión de un nocturno.

La serie de “Cantorales” fue una de las más celebradas de la carrera artística de Palazuelo, pero no se ha presentado ningún ejemplar en esta mini muestra antológica, porque la Fundación Palazuelo –sin sede abierta al público- carece de ejemplar alguno.

La exposición de Palazuelo en la nueva galería Fernández-Braso cuenta con un catálogo que lleva un texto interesante de Alfonso de la Torre.


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miércoles, 14 de diciembre de 2011

EL BELÉN NAPOLITANO. EL BELÉN DE VITORIA-GASTÉIZ

                  Obsérve el paisaje  de ruinas clásica en el que está ubicada  la escena del Nacimiento.
                  En primer término aparece el rey  Baltasar que  en lugar de negro es  un sultán turco.







Figuritas articuladas


















Ambientación

























M. DOLORES GALLARDO LÓPEZ


En un reciente viaje por el norte conocí la bella ciudad de Vitoria. Nuestra amable anfitriona norteña, la excelente pintora Teresa Ahedo, afincada en Bilbao, cuando supo mi intención de pasar un par de días en ella me encareció muy vivamente que no dejara de visitar la Catedral Nueva y el Museo Diocesano de Arte Sacro cuya sede es dicha Catedral. ¡Magnífica idea! Me encantó y muy en especial su belén napolitano, excelentemente iluminado y permanentemente expuesto en la nave de la Epístola, de manera que el visitante puede admirarlo  cualquier día del año.

BELÉN NAPOLITANO

El primer belén familiar del que tenemos noticia fue el de la duquesa de Amalfi, en 1567 y, al parecer, constaba de 107 figuras. De las casas señoriales pasó a las de los burgueses acomodados y de aquí, cuando se abarataron los materiales con los que se construyen las figuras o surgieron otros más baratos, al pueblo.

Pero si existen belenes maravillosos son los llamados belenes napolitanos: verdaderas obras de arte, no sólo el belén en sí mismo sino todas y cada una de las figuras y elementos que lo componen.
Cada una de las figuritas que conforman un belén napolitano es una verdadera obra de arte en la que trabajan diversos artesanos hasta conseguir el aspecto final con que las vemos colocadas.

 La novedad mas característica que intruduce el belén napolitano son las figuritas:  articuladas y se visten. El cuerpo está formado con un armazón de alambre recubierto de tiras de estopa o lienzo, como se puede observar en las imágenes femenina y masculina mostradas más arriba. Habitualmente  las figuritas del belén eran rígidas de madera,  en ellas que se cuidaba el aspecto de la cabeza y el de las extremidades, pero en el belén napolitano las nuevas figuras son articuladas, lo que les otorga una extraordinaria movilidad y permite colocarlas en cualquier postura.

Los brazos y pies están moldeados en cerámica o en madera; la cabeza está hecha de porcelana y pintada al óleo según la encarnadura que requiere la tez, las variantes de la figura (hombre, mujer, niño; joven, viejo, etc.) y el color del pelo. Los ojos están realizados en vidrio de diferentes colores. Los más reputados escultores napolitanos modelaron en sus talleres estas cabezas. Las dos figuras  desnudas -masculina y femenina- que mostramos son del belén de Vitoria-Gastéiz.

El articulado maniquí así construido se viste después con hermosos trajes, confeccionados a medida en seda, terciopelo, raso, algodón u otros tejidos. Se adorna con joyas auténticas en miniatura, se calza y peina a la manera del siglo XVIII. Quien desee más información sobre la estructura de estas figuras y los detalles que conforman su vestimenta -adecuada siempre al status social que representan- puede consultar:
http://www.lacasalingaideale.it/lezioni/presepe.htm

En resumen, su vestimenta está calcada de la moda del siglo XVIII y reproduce la que llevaban los distintos estamentos sociales, pues todos ellos -de los más altos a lo más bajos- están representados en el belén napolitano que, en realidad, pretender ser una recreación en miniatura de los habitantes de Nápoles y del reino de las dos Sicilias en esa época, así como de sus diversos estilos de vida.

Los paisajes palestinos se transforman en paisajes italianos, en ellos aparecen ruinas de templos de la Antigüedad clásica para albergar la escena del Nacimiento del Niño Jesús (es la moda que conoce en el arte  con el nombre de "rovinismo" o paisajismo de ruinas), pero las calles y edificios -panadería, taberna, herrería, etc.- intentan reproducir la ciudad de Nápoles en el XVIII. Naturalmente la gente de Judea se transforma en napolitana.

Aparecen también en los belenes napolitanos numerosos animales, muchos de ellos exóticos en el siglo XVIII.

También hay abundantes  cacharros,  utensilios y accesorios de la vida cotidiana, sin olvidar hermosas vajillas en miniatura que adornan las bien servidas mesas, ni tampoco las frutas y verduras realizadas en arcilla o en cera. Abundan tambien las joyas en miniatura para a dornar las figuritas que representan la clase social alta. Todo ello es lo que se conoce con el nombre de finimenti.  Contribuyen enormente  a que los belenes napolitanos alcancen altísimas cotas de belleza y refinamiento.

 Hay que resaltar que la perspectiva del conjunto de consigue utilizando figuras de diferentes tamaños

AUGE DEL BELÉN NAPOLITANO: CARLOS VII DE NÁPOLES

En los siglos XVII Y XVIII se produjo un fuerte desarrollo del belenismo. Con el barroco se impulsó de forma definitiva la realización de belenes.
En el siglo XVIII la ciudad de Nápoles se puso en cabeza: allí se creó una escuela incomparable en cuanto a belleza, detalle y meticulosidad en las figuras. Mucho tuvo que ver en ello el Carlos VII de Nápoles y V de Sicilia
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Este ilustrado rey se interesó mucho por el arte del belenismo y lo impulsó decididamente. La aristocracia secundó la idea. Como consecuencia en Nápoles proliferaron extraordinariamente los belenes y surgieron importantes imagineros belenistas.

 Allí se comenzaron a construir las figuras articuladas. Incluso la Real Fábrica de porcelana de Capodimonte se puso al servicio de los encargos que las diferentes escenas del belén requerían.

Lo mismo ocurrió con escultores, los más reputados se dedicaron a modelar en sus talleres cabezas para los protagonistas del Misterio y para los ángeles, pastores, gente el pueblo, turcos, etc.
  
   Los grandes orfebres de la corte hicieron miniaturas de joyas auténticas para adornar las figuras que representan personajes de la clase social alta.

   Los artesanos que se dedicaban a la confección de trajes, hicieron réplicas en miniatura de las vestimentas habituales de las diversas clases sociales. Esos trajes a veces, para dar más verosimilitud a la escena, llevan un finísimo alambre en los dobladillos y los pliegues para realzar la caída natural de la tela y para dar volumen a las vestimentas.

En resumen, ningún artista ni artesano de la ciudad quedó al margen de la actividad belenística.

La foto ambientada que mostramos pertenece al Belén de Vitoria- Gastéiz, tal como aparece actualmente expuesto.

Todo Nápoles desde el día de la Inmaculada -8 de diciembre- hasta el día de la Candelaria -2 de febrero- vibraba en torno a los belenes pues constituían un exponente le la riqueza y el buen gusto de las familias.

Hay que recordar que el rey Carlos VII de Nápoles y V de Sicilia, gran impulsor de las artes belenísticas, era un príncipe español: fue tercer hijo del rey de España Felipe V de Borbón y el primero que tuvo su segunda esposa, la culta princesa italiana Isabel Farnesio, duquesa de Parma, Piacenza y Toscana.

Isabel Farnesio, consciente de que sus hijos no heredarían el trono de España (el rey tenía dos hijos de su primer matrimonio), hizo todo lo posible por recuperar la perdida influencia española en Italia con el fin de colocar allí a su descendencia.

El mayor de sus hijos, Carlos, heredó inicialmente de su madre el ducado de Parma (1731). Más tarde, al conquistar Felipe V el Reino de Nápoles y Sicilia en el curso de la Guerra de Sucesión de Polonia (1733-1735),  pasó en 1754 a ser el rey Carlos VII de Napoles y V de Sicilia. Permaneció en Nápoles hasta 1759.
  
  Cuando contaba 22 años de edad contrajo matrimonio con María Amalia de Sajonia -14 años- hija de Federico Augusto II, duque de Sajonia y Lituania y después rey de Polonia. Hasta la muerte de la reina, un año escaso después de su llegada a Madrid como nuevos reyes de España, formaron un bien avenido y prolífico matrimonio. Se dice que la propia M. Amalia y las damas de su corte napolitana cosían y bordaban ropitas que adornaban después las figuritas del Belén del palacio.

Cuando en España murió el rey Fernando VI (segundo hijo del primer matrimonio de Felipe V, el mayor -Luis- murió muy pronto, en vida del rey Felipe), Carlos -hijo mayor de Felipe V e Isabel de Farnesio, su segunda esposa- fue nombrado rey de España. Era el año 1759. Abandonó Nápoles y se convirtió en nuestro rey Carlos III, al cual Madrid tanto debe. Meses después de llegar a España, en septiembre de 1760, murió la reina. El rey Carlos nunca volvió a casarse.
  
   Este rey introdujo el belén napolitano (es decir de figuras articuladas) en España. Ya en Madrid mandó realizar el llamado Belén del Principe, creado por encargo suyo en los talleres napolitanos y en la fábrica de cerámica de Capodimonte. Este belén, desafortunadamente, se dispersó con el paso del tiempo en diversas colecciones. Las figuras que se conservaban en Palacio Real tenían un estado de conservación no demasiado bueno. En 1987 se llevó a cabo una restauración que incluía el tratamiento de las figuras, de las telas y de los distintos accesorios. En el año 2002 Patrimonio Nacional encargó la realización de algunas piezas a talleres napolitanos que continúan elaborando figuras a la manera tradicional del siglo XVIII. En la actualidad se suele exhibir en el Palacio Real de Madrid en Navidades para goce y disfrute de quienes amamos este arte.
   De todos modos no hubo muchos belenes  napolitanos, como demuestra el hecho de que los más  importantes que hay hoy son  de época posterior y generalmente han sido comprados en Italia, como el de  Vitoria que hoy nos ocupa. Continuaron preferente mente los de figuritas esculpidas o modeladas.

EL BELÉN DE VITORIA-GASTEIZ

Está formado por 56 figuras, de las cuales son humanas 38. Las 38 figuras humanas pertenecen a distintas razas y diferentes clases sociales. Sus vestimentas y ornato se corresponden con estas diferenciaciones.
  
    Las figuras están realizadas en diferentes escalas: el Misterio, los ángeles y los reyes magos son las de mayor tamaño (de 40 a 45 centímetros); otras figuras tienen entre 30 y 25 centímetros, hasta llegar a algunas figuras de 20 centímetros (se colocan al fondo, en lo que equivaldría al horizonte y comunican sensación de lejanía).    Al instalar diversas escenas del belén en diferentes tamaños se produce sensación de profundidad y de perspectiva.

Las restantes figuras (18) son de animales, importantes en los belenes napolitanos, como quedó dicho arriba.

  También cuenta este belén con gran número accesorios (finimenti en terminología napolitana): joyas, herramientas, etc., fabricados en diversos materiales, que contribuyen a enriquecer el espectáculo que ofrece.

 En su actual configuración paisajística la escena del Nacimiento está ubicada en medio de unas ruinas que recuerdan las de edificaciones clásicas. Es de advertir que justamente este escenario fue el habitual  en el siglo XVIII en Nápoles, recordando quizás las cercanas ruinas de Pompeya y Herculano.

  Otra característica que quizás sorprenda al visitante poco experto  es ver al rey “negro” transformado en este caso en sultán turco.

   Las piezas de este belén fueron adquiridas en Italia. En los años 50 fue donado a la diputación de Álava por D. Félix Alfaro Fournier, nieto de Heraclio Fournier, fundador de la empresa de naipes del mismo nombre. Se instaló en el Museo Provincial de Álava.
   
    En el año 2003, tras haber sido limpiado y restaurado fue colocado en la nave de la Epístola de la Catedral de María Inmaculada o Catedral Nueva -estilo neogótico, cinco naves (la central de 35 mtrs de altura), con exterior más sobrio que el resto, dado que las torres y el cimborrio del proyecto original no llegaron a ejecutarse-, actual sede del magnífico Museo Diocesano de Arte Sacro.

martes, 13 de diciembre de 2011

Eugenio D´Ors, “Historias lúcidas” publicadas por la Fundación Banco Santander

Historias lúcidas”

Eugenio D´Ors

Edición: Fundación Banco Santander

Introducción de Xavier Pla

Colección Obra Fundamental



Julia Sáez-Angulo



Las novelas menos conocidas del escritor don Eugenio D´Ors (Barcelona, 1882 –Vilanova i Geltrú, 1954) se publican en el libro titulado “Historias lúcidas” por la Fundación Banco Santander. Un amplio estudio introductorio de Xavier Pla, profesor de Literatura Catalana Contemporánea en la Universidad de Girona centra al lector sobre el significado de un autor tan singular y polifacético como D´Ors en el aspecto de narrador intelectualista.

Ensayista, periodista, filósofo y crítico de arte español, impulsor del movimiento conocido como Noucentisme en catalán, Eugenio D´Ors adquirió notoriedad popular hace cien años con su novela “La Ben Plantada”, sin embargo después de su muerte pasó por el purgatorio de cierto silencio y ostracismo.

Xavier Pla habla de “la larga vida como la de Eugenio D´Ors dedicada incesantemente a la palabra afirmativa, al diálogo y a la conversación”.

Las novelas recogidas en “Historias lúcidas” son: “Sijé, o del secreto de unas vacaciones”; “Jardín Botánico” con “Oceanografía del tedio”, “Magín, o la previsión y la novedad” y “El sueño es mi vida”; “Historias de las esparragueras” y “Aldeamediana”.

Contradicciones del novelista

Pla señala las contradicciones de D´Ors sobre la novela, tanto como escritor como lector: “Cada día, las novelas me interesan menos y si no fuera porque me regalan bastantes, no leería ninguna nueva”.

Lo que caracteriza a las ficciones dorsianas es la discontinuidad, dice el crítico José Ramón Resina, “la carencia del principio y del fin, la secuencialidad de los momentos estáticos de carácter figural, es decir “tableaux vivants” o bien cameos imágenes sueltas, definiciones”.

Pla apunta “El mundo narrativo de D´Ors es tan esquemático que en ocasiones se aproxima a la pintura de ideas, mundificando lo conceptual y subjetivo, como más tarde definirá José Ortega y Gasset la técnica del arte nuevo”.

Una selección bibliográfica enriquece el libro sobre D´Ors, que se lee con gusto.

Entre los libros previstos por la Fundación Banco Santander para la colección Obra Fundamental, se encuentra el de la escritora argentina Victoria Ocampo. La colección sigue con buen tono, pero paulatinamente se aparta de la inicial filosofía de sacar a flote autores válidos y olvidados, para centrarse en autores conocidos con obras menos divulgadas.

Su atención en nombres de escritoras sigue siendo minoritaria y más pareciera que sólo se busca cubrir el expediente de mínimos.


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Espléndido Belén Napolitano en el Museo de Escultura de Valladolid




Julia Sáez-Angulo


Un gran belén napolitano del siglo XVII, expuesto todo el año, es una de las piezas más singulares del Museo Nacional de Escultura, sito en el antiguo Colegio de San Gregorio de Valladolid. Un belén que bien vale una visita en tiempos navideños.

Después del Belén del Príncipe, que se exhibe en el palacio real de Madrid, el del Museo de Valladolid es “el más notable conjunto belenístico del coleccionismo privado en España cuando fue adquirido por el Estado en 1996, a los hermanos Emilio y Carmelo García de Castro, que reunieron durante dos años de búsqueda paciente, apasionada y crítica, piezas procedentes del anonimato del comercio de antigüedades y de colecciones conocidas: las de los Castello, la antigua de la duquesa de Parcent, la del Duque de Hernani o la de la Casa Real Española”, explica su comentarista, señor Fernández González.

El belén napolitano del museo de Valladolid “está compuesto de 184 figuras humanas que abarcan toda la variedad de personajes indispensables y de tipos habituales: la Sagrada Familia, el coro angélico, los Reyes Magos y u espléndido séquito priental de georgianas, turcos, negros, dignatarios, músicos y criados, pastores con zamarras, burgueses atildados, artesanos, vendedoras, campesinos, cíngaros y un mendigo, espléndido ejemplar modelado completamente en barro”, explica el autor de la ficha catalográfica.

Como bien dijera Joseph Corani a finales del XVIII: “Es en Nápoles en particular donde se encuentran los más bellos pesebres de todo el mundo caólico-apostólico-romano”. Nápoles perteneció a la Corona de España y por tanto la península adquirió bellísimos ejemplares como éste y el del Príncipe.
Esplendor barroco de belleza, lujo y color para representar el nacimiento de Cristo que habría de dar nombre a una nueva era. Conviene saber el lenguaje simbólico de los montajes de los belenes, recuerda Leticia Arbeteta, una de las mejores teóricas de la historia del belén: la mula representa al pueblo judío; el buey, a la gentilidad; los pozos y ríos a la corriente de la gracia santificante que trae el Salvador; la estrella a la Navidad; los tres Reyes Magos a los pueblos y razas; los pastores a las distinta edades de los hombres…

Todo es símbolo en Navidad, es decir: las cosas tienen un significado más allá del propio objeto, como explicó Jung. Los regalos navideños recuerdan al gran regalo que nos hizo Dios Padre en Navidad enviándonos a su Hijo; el árbol de Navidad, el abeto, es la frescura y lozanía permanente del Cristo y los cristianos; las luces de la iluminación ciudadana vienen a recordarnos que llega la Luz del mundo.


Consuelo Sierra, Colección de joyas antiguas sobre el vino


Consuelo Sierra 



Julia Sáez-Angulo

Cotizada diseñadora de joyas, Consuelo Sierra (Roa de Duero, Burgos) regenta una preciosa tienda de joyas antiguas en el espacio Moda Shopping de Madrid, desde donde ha atesorado una singular colección de piezas, denominada “Artis Vinis”, especialmente joyas alusivas al vino. Una colección que se ha expuesto recientemente en su localidad natal, tierra de vinos de la Ribera del Duero.

Desde racimos de uvas y ramas de pámpanos en anillos, pulseras, collares, broches… hasta dioses Baco, de la mitología griega tallados en el anaranjado coral de Trápani, nácar, oro, plata… pasando por juegos de botellas escanciadoras y copas, dentro de coquetos estuches de cuero…



Pese a la crisis, el mercado se mueve aunque a ritmos más contenidos. “He vendido joyas de esta colección y las he repuesto con otras, porque ando siempre pendiente de que no se agote”, explica la diseñadora.

Entre sus piezas singulares está el broche decó con una decoración que ilustra la fábula de la zorra y las uvas del escritor alavés Samaniego. “Esta joya no se vende”, dice Consuelo Sierra, aunque una puede pensar que “todo tiene su precio”. Ciertamente es una pieza digna de figurar en un museo como el de Arte Modernista de Salamanca.

Uno de los aspectos más singulares de la exposición está en los colores del vino, que Sierra enfrenta a las piedras preciosas o noves que alcanzan la misma tonalidad. Rubíes, granates, topacios… compiten con el color brillante y acaramelado de los vinos.
En la exposición de Roa de Duero, la coleccionista invito a una pintora a que expusiera sus lienzos de gran formato, igualmente sobre el tema del vino, las viñas y las uvas.

Diseñadora de joyas

Como diseñadora de joyas, a Consuelo Sierra le gusta concebir piezas singulares para una pedida, un aniversario o un acontecimiento íntimo y familiar. El anillo diseñado para Mar Merino es uno de los ejemplares más espectaculares y logrados, por su elegancia. “Sé buscar y encontrar la piedra especial y adecuada para una joya única”, recalca la joyera.

“A veces lo más difícil es encontrar un buen orfebre que trabaje el diseño propuesto, pues es un oficio que va quedando rezagado en España por la terrible competencia de los que trabajan piezas en serie de países de Oriente”, lamenta Sierra.
La tienda de joyas antiguas de Consuelo Sierra (Moda Shopping. General Perón, 40, local 44) es un pequeño museo de orfebrería y estética, donde la historia de las joyas se dan cita para tener u buen joyero de capricho. Una inversión y un arte.




lunes, 12 de diciembre de 2011

Pilar Agramunt escribe “La vida de Jesús” en versos pegadizos para niños



“La vida de Jesús”
Versos para mis nietos
Pilar Agramunt
Ilustraciones: José Luis Navarro
Editorial PPC
Madrid, 2011 (64 pags.)

Julia Sáez-Angulo


Escribir sobre la vida de Jesús en verso lo hicieron en parte Lope de Vega, Juan de Ávila, el Arcipreste de Hita…, ahora lo hecho de manera completa y con gracia Pilar Agramunt (Almazora, Castellón, 1945), que reside actualmente en Alicante.
El libro “La vida de Jesús. Versos para mis nietos” ha sido presentado en la Asociación de la Prensa de Madrid por Herminio Otero, gerente editorial de PPC; Luís Resines, investigador de los catecismos españoles y José María Castaños, ex presidente de “Vida Ascendente”. De “catecismo en verso” se calificó el libro de Agramunt en el acto que terminó animado por el recital final de los nietos de la autora.
Los presentadores destacaron la agudeza de Pilar Agramunt para escribir unos versos sencillos, entrañables y pegadizos, llenos de sentido teológico para contar la vida de Jesús a los más pequeños, “un precioso legado de fe que recibimos de nuestros mayores”, al decir de la autora que intervino a través de una grabación previa proyectada en pantalla.
Desde el deseo del Padre a mandar a su Hijo hasta la Resurrección, pasando por la Anunciación, la Navidad, los milagros y la Pasión… nada se le ha escapado a Pilar Agramunt que estudió Filología Moderna y fue intérprete jurado de inglés y francés, se casó con el abogado Jaime Puebla, tuvo cuatro hijas y le gustó siempre dedicarse a diversas actividades artísticas porque tenía manos privilegiadas.

Ahora Pilar Agramunt, como el santo Job, afronta con valentía, desde hace once años, una tetraplejia que limitan su actividad y movilidad, pero sabe convocar, como siempre, la alegría y el espíritu de servicio en torno a los suyos, como es el caso con este catecismo. Quienes se acercan a la autora se quedan asombrados de su coraje debido a su fe.

Versos sencillos y pegadizos

“Dios que desde el cielo vio/ que el mundo muy mal estaba, / quiso enviar a su Hijo/ por ver si así lo salvaba” es el comienzo claro y profundo del libro.

Los versos que ha dictado para sus nietos han interesado por su ingenio “sencillo, entrañable y con mucho fondo” a la editorial PPC, que los propone a los educadores de catequesis para los más pequeños, porque el ritmo del verso ayuda a memorizar mejor la vida del Maestro.

“Pero el domingo de Pascua,/ con aspecto de hortelano, / a María se aparece/ glorioso y resucitado” son algunos de sus versos finales.
Un libro gozoso y gracioso por los versos de Pilar Agramunt y los simpáticos dibujos en color, a la acuarela, de José Luís Navarro.

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GOTTHARD SCHUH, EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA EN LA FUNDACIÓN MAPFRE


L.M.A.


FUNDACIÓN MAPFRE ha presentado hoy la exposición de fotografía “Gotthard Schuh”, que podrá verse hasta el 19 febrero de 2012 en la sala Azca (Avda. General Perón, 40).

La exposición, que presenta por primera vez en España la obra del fotógrafo Gotthard Schuh (Berlín-Schöneberg (Alemania) 1897- Küsnacht (Suiza) 1969), está organizada en colaboración con Fotostiftung Schweiz de Winterthur, de donde proceden todas las obras.

La muestra, estructurada en cinco secciones - Años tempranos; El realismo poético de los años treinta; Inseln der Götter: hechos y fantasías; Begegnungen: en busca de una verdad interior; y La fotografía como expresión: la asociación de fotógrafos Kollegium Schweizerischer Photographen-, comprende 113 fotografías, 93 de ellas de Gotthard Schuh, realizadas entre 1929 y 1956, y 20 fotografías adicionales de Robert Frank, Werner Bischof, Jakob Tuggener y René Groebli, que presentan a Gotthard Schuh al lado de los fotógrafos suizos más importantes de su tiempo, todos ellos miembros del Kollegium de Fotógrafos Suizos (Kollegium Schweizer Photographen) en los años 50.

Con motivo de la exposición se ha editado la primera publicación en lengua castellana sobre Gotthard Schuh con textos del comisario Peter Pfrunder, Guido Magnaguagno, Martin Gasser y Gilles Mora. Además incluye una biografía y bibliografía. En consonancia con la muestra este catálogo pretende ofrecer un profundo acercamiento a la obra del artista y convertirse en una publicación de referencia en torno a la vida y obra de Gotthard Schuh.

Además, con objeto de ampliar los contenidos de la exposición y hacer accesible al público general esta muestra, FUNDACIÓN MAPFRE ha desarrollado una página web monográfica sobre la misma. Desde la dirección http://www.exposicionesmapfrearte.com/schuh/ los internautas podrán conocer los conceptos artísticos más importantes que se plantean en esta exposición y sus obras más destacadas, así como realizar un recorrido virtual por todas las salas. También se podrá consultar un extracto del catálogo y acceder a la información sobre visitas para personas con y sin discapacidad.


Exposición Biblioteca Nacional de España: 300 años haciendo historia





L.M.A.



Biblioteca Nacional de España: 300 años haciendo historia, organizada por la BNE y Acción Cultural Española (AC/E), es la exposición con la que se inaugura, a partir del 13 de diciembre, el programa de actividades diseñado para celebrar el Tricentenario de la institución cultural más antigua del país.

La Real Biblioteca Pública: 1711-1836

El 29 de diciembre de 1711 Felipe V, el primer Borbón que reinó en España, daba el visto bueno al plan de creación de una Real Biblioteca abierta al público. La idea había partido de su consejero y confesor, el padre Robinet, siguiendo el modelo de la Bibliothèque du Roi parisina. Con este sencillo gesto, se ponía la piedra inaugural de una gran biblioteca, que nació rica en colecciones de muy diversa procedencia. Sus puertas se abrieron a los estudiosos el 1 de marzo de 1712 en el Pasadizo de la Encarnación, en la actual Plaza de Oriente, remarcando desde el principio su carácter de servicio público.

En esta primera sala se exponen algunos de los manuscritos, libros y objetos que pudieron admirar, leer y estudiar sus primeros lectores.

Habiendo resuelto establecer una Bibliotheca, y colocarla dentro de mi Real Palacio de Madrid, se ha juntado en ella el mayor número de libros que hasta ahora se ha podido, con algunos manuscriptos, varios Instrumentos matemáticos, porción de monedas, medallas y otras curiosidades, para cuya subsistencia y manutención, la he dotado con ocho mil pesos de renta a el año, asignándolos en las de el tabaco y naipes de el reino. (Fundación y Estatutos, Madrid, 1716)

La tecnología al servicio de la información y del conocimiento

Preservar y difundir la información y el conocimiento han sido dos de los grandes desafíos a los que ha tenido que enfrentarse cualquier civilización. El triunfo de la tecnología informática a la hora de crear nuevos canales y medios de difusión ha abierto insospechadas posibilidades, que todavía tendrán que explorarse en los próximos años. En este campo, la BNE ha sido pionera en la introducción de la informática en sus trabajos y servicios desde que en 1990 comenzara a informatizar su catálogo.

Junto a la tecnología informática y digital, que está cambiando los modos de entender una Biblioteca Nacional en el presente y en el futuro, en esta sala se prestará también atención a otras tecnologías al servicio de la conservación y difusión de la información y del conocimiento: la propia tecnología de la escritura que permitió en el siglo XIX copiar códices y libros impresos para su conservación y difusión, la de la fotografía, que ha hecho posible el facsímil y, por último, la tecnología de conservación y reproducción del sonido, a partir del invento revolucionario de Edison patentado en 1877: el fonógrafo.

La Biblioteca Nacional de España por dentro

¿Cómo se amplían y completan las colecciones de la BNE? ¿Cuáles han sido los catálogos que han dado a conocer sus fondos a lo largo de la historia? ¿Y los problemas de conservación de sus ejemplares, los medios con que cuenta la BNE para preservar su rico patrimonio? A estas y a algunas preguntas más se dará respuesta en esta sala, que desea acercar al visitante los procedimientos técnicos que, día a día, se realizan dentro de una biblioteca para cumplir los servicios que tiene asignados por ley.

Y para el final de este recorrido, de este acercamiento a 300 años de historia y de trabajos, de colecciones y de personas que han hecho posible que la BNE sea una de las bibliotecas patrimoniales más importantes del mundo, hemos abierto un espacio a los escritores, a los creadores que hacen posible que, año tras año, se incremente nuestra memoria histórica en cientos de miles de documentos, así como a dos colecciones singulares de la BNE: Ephemera y carteles.

Corresponde a la Biblioteca Nacional […] reunir, catalogar y conservar los fondos bibliográficos impresos, manuscritos y no librarios de carácter unitario y periódico, recogidos en cualquier soporte material, producidos en cualquier lengua española o en otro idioma, al servicio de la investigación, la cultura y la información, y difundir el conocimiento de dichos fondos (Estatuto de la Biblioteca Nacional, 2009)

Los fondos

En la actualidad, la BNE conserva más de 28 millones de documentos, que ingresan por cuatro vías posibles:

1. Por depósito legal ingresaron 106.351 títulos de libros en 2010. Y además, periódicos y revistas, discos de vídeo y audio, partituras, mapas, carteles, láminas y otras publicaciones menores, hasta un total de 861.145 ejemplares.

2. La donación es una excelente vía de incrementar la colección; normalmente entran ejemplares únicos, singulares, donados por sus creadores o sus herederos. Durante 2010 se incorporaron 5.280 documentos, valorados en 270.750 euros.

3. Gracias al canje de publicaciones con otras instituciones, la BNE ingresó 1.872 publicaciones en 2010.

4. Y por último, lo que no ingresa de este modo, la BNE tiene que comprarlo para conseguir una colección completa y de calidad. Durante el año 2010 se destinaron 400.000 € para adquisición de fondo moderno y 653.731 para fondo antiguo

Los depósitos

La BNE cuenta con alrededor de 250 kilómetros lineales de estanterías en sus sedes de Recoletos y de Alcalá de Henares, inaugurada esta última en 1993, con un depósito robotizado de más de 30 kilómetros, que ha sido ampliado en el 2000 y en el 2009.

Cuando se inauguró la actual sede de la BNE en 1896, contaba con siete pisos de depósito, diseñados por el arquitecto Antonio Ruiz de Salces en hierro, siguiendo la estela de Eiffel, que podían albergar 600.000 volúmenes en sus 2.607 estantes.

Los depósitos de la BNE cuentan con las condiciones idóneas para la conservación de los documentos. Para ello, se controlan aspectos como el grado relativo de humedad (45% +5) y la temperatura (20º +2ºC), que ha de ser constante.

La BNE cuenta con alrededor de 250 kilómetros lineales de estanterías en sus sedes de Recoletos y de Alcalá de Henares, inaugurada esta última en 1993, con un depósito robotizado de más de 30 kilómetros, que ha sido ampliado en el 2000 y en el 2009.

Cuando se inauguró la actual sede de la BNE en 1896, contaba con siete pisos de depósito, diseñados por el arquitecto Antonio Ruiz de Salces en hierro, siguiendo la estela de Eiffel, que podían albergar 600.000 volúmenes en sus 2.607 estantes.

Los depósitos de la BNE cuentan con las condiciones idóneas para la conservación de los documentos. Para ello, se controlan aspectos como el grado relativo de humedad (45% +5) y la temperatura (20º +2ºC), que ha de ser constante.

Dos colecciones singulares: Ephemera y carteles

La sección de Ephemera de la BNE se crea en 1991, a partir de varias colecciones de cromos, cajas de cerillas, calendarios murales, felicitaciones, orlas y un interesante apartado de etiquetas de cajas de pasas y de naranjas de finales del siglo XIX que estaban dispersas por diversos departamentos. Desde entonces, la colección no ha dejado de crecer gracias a la compra de colecciones y a las continuas donaciones: en el año 2003 se contabilizaron más de 80.000 obras.

La BNE posee un espléndido fondo de carteles formado, por un lado, por carteles publicitarios, que abarcan desde el siglo XIX hasta la actualidad, incrementándose de forma continua gracias al depósito legal, con una tipología muy variada (espectáculos, productos, turismo, fiestas, transportes…), y, por otro, por carteles de propaganda de la época de la República y la Guerra Civil (cuyo origen se remonta a la compra de una colección particular en 1982), que se caracterizan por un predominio de la imagen frente a la tipografía.